INT : Heated Rivalry 프로젝트를 처음 어떻게 알게 되었고, 개인적으로 왜 참여하고 싶었던 작업이었나요?
JP: 처음에는 제이콥 에게서 들었어요. 우리 둘 다 캐나다 사람이고, 그쪽 업계가 비교적 작은 편이거든요. 그때는 작품 이름도 몰랐어요.
그는 단지 자신이 정말 좋아하는, 하키를 소재로 한 꽤 선정적인 소설 시리즈를 바탕으로 한 프로젝트를 만들려고 한다고만 말했죠.
몇 주 또는 몇 달 뒤에 제 에이전트에게서 전화가 왔는데, 그때 Heated Rivalry라는 제목을 처음 들었어요.
그리고 그때 처음으로 대본을 받았는데, 정말 단숨에 빠져들었습니다. 주변에서 다들 제이콥이 정말 뛰어난 작가라고 말하긴 했지만, 실제로 대본을 읽어보니 이 작품이 특별해질 거라는 걸 바로 알 수 있었어요.
그래서 그 인터뷰에 들어갈 때 정말 만반의 준비를 했고, 최대한 신나 있는 상태였어요. 그리고 엄청난 비주얼 피치 덱까지 준비해서 갔죠.
INT: 많은 사람들이 Heated Rivalry가 굉장히 돈을 많이 들인 작품처럼 보인다고 말하지만, 실제로는 비교적 작은 예산으로 제작됐다고 들었습니다. 그런데도 어떻게 그렇게 아름답고 인상적인 비주얼을 만들어낼 수 있었나요? 어떤 도구, 비전, 그리고 사전 계획이 있었는지 궁금합니다.
JP: 제가 지금까지 촬영한 에피소드 형식의 프로젝트 중에서 가장 저예산에 속하는 작품이었어요. 아니면 아예 가장 저예산일 수도 있고요.
캐나다 기준으로 봐도 놀라울 정도로 낮은 예산이었죠!
저예산 프로젝트에 접근하는 방법은 사실 한 가지뿐이라고 생각해요. 자신의 강점에 맞게 작업하는 것이죠.
감당할 수 없는 자원이나 구할 수 없는 로케이션을 억지로 사용하려고 하다가, 그걸 저예산 환경에 억지로 끼워 맞추려 하면 결국 결과물이 싸 보이게 됩니다. 그러면 그 순간 이미 실패한 거죠.
예를 들어 어떤 장면에서는 등장인물 중 한 명이 마세라티를 몰고 등장하는 설정이 있었는데, 그건 포기해야 했어요.
하루 동안 마세라티를 렌트할 예산이 없었거든요. 그래서 우리는 다시 생각해야 했죠.
“이 장면의 핵심이 뭐지?” 만약 그 핵심이 부유함을 보여주는 것이라면, 우리는 단지 다른 방식으로 그것을 표현하면 된다는 식으로 접근했습니다.
INT: 그렇다면 결국 상황에 맞게 유연하게 바꾸는 태도가 중요한 건가요?
JP: 네, 맞아요. 그리고 항상 그 안에서 아름다움의 실마리를 찾으려고 하는 것, 어떤 작은 ‘위대함의 요소’를 발견하려고 하는 태도가 중요하죠.
터널 장면이 그걸 보여주는 완벽한 예예요. 우리는 그 터널을 발견했고, 그걸 가능한 한 최대한 활용했어요.
말 그대로 그 터널이 줄 수 있는 건 전부 다 끌어냈죠. 더 이상 남은 게 없을 정도로요!
INT: 정말 말 그대로, 터널이 그렇게 아름답게 보인 적은 없었던 것 같아요. 또 마지막 에피소드의 석양 장면을 이미 촬영했는데, 더 멋진 석양이 나타나서 다시 촬영했다는 이야기도 읽었습니다.
JP: 그 장면은 자신의 강점을 살려 작업한다는 것의 아주 좋은 예라고 생각해요. 다시 촬영한 게 정말 가치가 있었거든요.
그 석양이 너무 아름다웠어요. 만약 그 장면이 에피소드에 들어가지 못했다면, 저는 정말 마음이 아팠을 것 같아요.
INT: 촬영 기간이 약 한 달 조금 넘는 정도였는데, 이는 당신이 작업해온 프로젝트 중 가장 짧은 일정이었다고 들었습니다. 이런 시간 제약이 작업 방식에 영향을 줬나요? 또 어떻게 적응했나요?
JP: 촬영 스케줄을 짜는 건 조감독이 해낸 정말 대단한 작업이었어요. 그리고 몇 가지 다른 요소들도 도움이 됐는데, 예를 들어 블록 촬영 같은 방식이 있었죠.
또 우리는 로케이션을 매우 효율적으로 활용했어요. 1화에서 셰인과 일리야가 자전거를 타는 호텔 헬스장 장면이 있잖아요.
사실 그곳은 4화에서 일리야의 집으로 사용된 로케이션 안에 있는 헬스장이에요. 정확히 말하면, 그들이 하키 경기를 보던 TV가 있던 벽의 반대편 공간이죠.
우리는 그곳을 호텔 헬스장처럼 보이게 만들어야 했어요, 실제로는 일리야의 집과 같은 건물인데도요.
그래서 창문 쪽은 최대한 화면에 나오지 않도록 했습니다.
또 하나는 장면을 구성하는 방식이었어요. 제 생각에 텔레비전 촬영에서 블로킹과 커버리지를 접근하는 방법은 크게 두 가지가 있습니다.
하나는 좀 더 영화적인 방식이에요. 와이드 숏을 많이 쓰고, 두 사람이 함께 나오는 투샷을 많이 사용하고, 싱글 숏이나 잦은 컷 편집은 줄이는 방식이죠.
이 방식은 약간 위험하기도 하고 TV에서는 비교적 덜 선호되는 편이에요. 왜냐하면 편집 단계에서 장면을 다시 재구성하기가 어렵기 때문이죠.
그래서 배우들과 감독에게 촬영 당일, 그 순간에 장면을 제대로 만들어내야 한다는 압박이 더 크게 생깁니다.
하지만 장점도 있어요. 배우와 연기에 대한 확신이 있다면, 굳이 많은 테이크를 찍을 필요가 없거든요.
우리는 이런 방식 덕분에 보통의 TV 드라마보다 훨씬 짧은 시간 안에 장면을 촬영할 수 있었어요.
제 생각에는 바로 그 점이 이 작품을 더 영화적이고 우아하게 보이게 만든 이유입니다.
보통 다른 촬영에서는 한 페이지짜리 장면을 찍는 데 4~5시간이 걸릴 수도 있지만, 우리는 투샷으로 장면 전체를 흘러가게 두고, 두 번 정도의 테이크만 촬영해서 약 45분 정도 만에 끝내기도 했어요.
INT: 그렇다면 이런 제약이 결과적으로는 창의적인 면에서 오히려 도움이 된 셈이군요?
JP: 그렇죠. 많은 경우 이런 제약은 오히려 걸림돌이 되기도 하지만, 이번 경우에는 정말로 모든 사람이 최선을 다해 임했기 때문에 좋은 결과로 이어졌다고 말할 수 있을 것 같아요.
INT: 스케이팅 장면 이야기를 하자면, 허드슨과 코너가 촬영 전에 사실 스케이트를 거의 타지 못했다는 걸 알았을 때 정말 놀랐어요. 완전히 속았거든요! 어떻게 그렇게 얼음 위에서 잘 타는 것처럼 보이게 만들었나요?
JP: 비결은 그들이 실제로 능숙하지 않더라도 얼음 위에서 자신감 있어 보이게 연기할 만큼 좋은 배우라는 점이에요.
그들은 리액션 연기로 그걸 설득력 있게 보여줬죠.
그리고 전통적인 스턴트 더블도 조금 활용했어요. 하키에서는 스턴트 더블을 쓰기가 비교적 쉬운 편이에요.
선수들이 장비를 굉장히 많이 착용하고 있고, 몸의 형태도 패드, 유니폼, 헬멧 때문에 결정되기 때문이죠.
그래서 우리는 두 가지를 잘 섞어서 장면을 구성하려고 했어요. 예를 들어 누군가가 골을 넣는 등 뒤에서 보이는 장면은 스턴트 더블이 맡고, 그 다음 리액션 샷으로 컷이 넘어가면 허드슨이 등장하는 식이죠.
또 하나는 촬영 커버리지 방식이었어요. 초반부터 — 이것도 예산과 관련된 이유였는데 — 우리는 TSN 스타일의 중계 방식과 카메라 앵글을 적극적으로 활용하는 데 흥미를 느꼈습니다.
즉, 높은 위치에서 아래를 내려다보는 앵글이죠. 실제로 하키 중계가 바로 그런 방식으로 촬영됩니다.
이 방식에는 몇 가지 장점이 있었어요.
첫째, 하키 경기를 자연스럽고 정직하게 보여줄 수 있는 방식이었고,
둘째, 카메라가 멀리 떨어져 있기 때문에 스턴트 더블을 사용하기도 훨씬 쉬웠습니다.
또 하나의 장점은 관중석을 많이 찍지 않아도 된다는 것이었어요. 관중이 보이는 장면들은 촬영 비용이 굉장히 비쌉니다. 경기장을 배경 엑스트라로 가득 채우려면 천문학적인 비용이 들거든요.
그래서 우리는 그런 장면들을 정말 전략적으로 사용해야 했습니다. 그렇게 함으로써 현실적인 경기 분위기와 예산 절약이라는 두 가지를 모두 잡을 수 있었죠.
INT: 마치 TV로 경기를 보는 것 같은 그 장면들이 정말 좋았어요. 또 선수들의 통계 그래픽이나 등장할 때 나오는 초상 이미지 같은 하이 에너지 컷어웨이도 너무 좋았고요. 전체적으로 정말 실제 스포츠 중계처럼 느껴지더라고요.
JP: 저도 그 부분이 정말 기대됐어요. 초반부터 제이콥도 아나모픽 촬영을 사용하겠다는 생각이 확고했거든요. 그래서 저는 하키 장면이 그 프레임 안에 들어가도록 하는 것이 중요하다고 생각했어요. 말하자면 프레임 안의 또 다른 프레임 같은 구조죠.
저는 하키 장면이 드라마 자체의 화면보다 더 크게 느껴지길 원하지 않았어요. 하키는 어디까지나 더 큰 서사에 봉사하는 요소로 존재해야 했거든요.
그래서 전체 화면으로 꽉 찬 하키 경기 장면을 보여준 뒤, 다시 아나모픽 레터박스 형태의 서사 장면으로 돌아가는 방식은 피하고 싶었습니다.
대신 하키 장면도 그 동일한 프레임 안에 존재하도록 만들고 싶었어요.
그렇게 하니까 전체적으로 조금 더 메타적인 느낌, 즉 화면 속의 또 다른 화면 같은 느낌이 생겼죠.
마치 실제로 스포츠를 보고 있는 것 같은 경험처럼요.
INT: 작품 전체에서 제가 가장 좋아하는 장면 중 하나가 오프닝 몽타주, 특히 4화의 몽타주예요. 그 장면들에서는 셰인과 일리야 사이의 미러링이 굉장히 많이 보이는데요. 그런데 실제로 몬트리올이나 모스크바에 갈 수 없었는데도, 짧은 장면들 속에서 두 사람이 각각 다른 세계에 있는 것 같은 느낌을 어떻게 만들어냈나요?
JP: 그건 색감에서 많이 나왔어요. 카메라 스타일은 사실 두 캐릭터 모두 비슷하게 사용했거든요. 전부 핸드헬드 촬영이었어요.
재미있는 건 많은 장면들이 사실 같은 장소에서 촬영됐다는 것이에요. 예를 들어 4화 몽타주에서 일리야와 셰인이 각각 운동하는 헬스장 장면이 있잖아요. 우리가 그 장소에 들어갔을 때 헬스장 몽타주에 필요한 모든 장면을 하루 안에 찍어야 한다는 걸 알고 있었어요.
그 헬스장은 굉장히 큰 공간이었어요. 아래층은 전부 창문으로 되어 있고, 위층 천장에는 형광등이 줄처럼 반복되는 구조가 있었죠.
그래서 우리는 이 두 공간을 활용해 서로 다른 분위기를 만들었습니다.
일리야 장면은 위층 형광등이 있는 공간에서 촬영했고,
아래층에서는 창문에서 들어오는 빛을 활용해서 몬트리올 헬스장의 분위기를 만들었어요. 특히 푸른 톤의 빛이 몬트리올 느낌을 정의하도록 했죠.
INT: 저도 그걸 눈치챘어요. 셰인 장면에는 푸른 톤이 있고, 일리야 장면에는 더 따뜻하고 붉은 톤이 있더라고요. 조명이 정말 핵심 요소였나요?
JP: 많은 부분이 조명에서 나오고, 또 많은 부분이 적절한 로케이션을 고르는 것에서 나옵니다. 우리는 가능한 한 ‘모스크바 같은’ 느낌이 나도록 만들려고 했어요.
그럴 때 종종 조금 화려하거나 과장된 느낌의 건물을 찾으려고 했죠. 그런데 캐나다에는 그런 건물이 많지 않아요. 오래된 건물이 많지 않거든요.
그래서 결국 조금 특이한 건물이 있는 묘지를 하나 발견했고, 일리야의 조깅 장면을 거기서 촬영했습니다.
재미있는 건 셰인의 조깅 장면도 사실 같은 지역에서 촬영했다는 거예요. 단지 그 건물이 화면에 보이지 않도록 프레임에서 제외했을 뿐이죠.
저택 장면들, 큰 파티 장면, 그리고 일리야가 아버지와 대화를 나누는 호텔 방 장면까지 사실은 모두 토론토에 있는 아주 화려한 한 저택에서 촬영한 거예요.
저에게 조명은 장소를 서로 다르게 느껴지게 만드는 일종의 치트 시트 같은 도구였어요.
또 도움이 됐던 점은, 이야기 속에서 두 사람이 항상 서로 다른 시간대에 있다는 설정을 알고 있었다는 거예요.
그래서 저는 그 점을 계속 활용하려고 했습니다.
예를 들어 일리야가 터널에 있는 장면은 밤이어야 한다는 걸 알고 있었죠. 그리고 대략 계산해보면, 그 시간은 몬트리올에서는 아침일 거라고 생각했어요. 그때 셰인이 전화 통화를 하는 장면이 나오죠.
우리는 이런 시간대의 차이를 적극적으로 활용해서 장면의 현실감과 진정성을 만들어내려고 했습니다.
INT: 정말 디테일에 대한 신경이 대단하네요! 하지만 촬영 현장에서는 춥고, 음악도 없고, 많은 스태프들이 지켜보고 있는 상황에서 배우들이 친밀한 장면이나 클럽 장면의 분위기에 몰입하기가 쉽지 않을 것 같아요.
그런데 배우들뿐 아니라 촬영하는 입장에서도 눈앞의 장면을 실제 클럽처럼 상상하며 연출하는 것이 꽤 어려울 것 같아요. 그런 상황에서 가능한 한 진짜처럼 보이게 만들기 위해 마음가짐을 잡는 특별한 방법이나 기술이 있나요?
JP: 사실 우리는 많은 경우 실제로 음악을 틀어놓고 촬영했어요. 제이콥도 어떤 곡을 라이선스하고 싶은지 꽤 명확하게 생각하고 있었거든요. 거의 99% 확신하는데, 클럽 장면에서는 t.A.T.u. 음악을 틀어놓고 있었던 것 같아요.
그래서 음악을 실제로 틀어놓고, 조명도 거의 항상 켜둔 상태로 촬영했어요. (다만 스트로브 조명은 켜지 않았어요. 그건 켜두면 현장의 모든 사람들이 미쳐버릴 테니까요.)
우리는 현장의 분위기를 만들어내려고 했습니다. 왜냐하면 배경에 있는 사람들까지 모두 현실감을 만들어내야 했기 때문이에요.
촬영장에 처음 와본 사람들도 많았는데, 그 사람들이 자연스럽게 움직이며 그 분위기를 채워줘야 했죠.
예를 들어 한 사람이 춤을 추지 않고 가만히 서 있거나, 멍하니 벽을 바라보고 있으면… 그 순간 장면의 몰입감이 확 깨져버리거든요.
이 시점쯤 되면 배우들도 이미 자신들이 무엇을 해야 하는지 잘 알고 있었어요.
우리는 어느 정도 함께 작업을 해온 상태였고, 두 캐릭터 사이에서 만들어내려는 감정의 순간을 배우들도 충분히 이해하고 있었죠.
저는 그 장면 자체도 정말 기대했지만, 특히 에피소드 후반부에서 두 사람의 얼굴을 교차 편집하는 부분이 굉장히 기대됐어요.
두 사람의 시선과 각도를 최대한 잘 맞추려고 노력했죠.
그리고 컬러 그레이딩 작업에서도 굉장히 많은 시간을 썼어요. 색감과 앵글을 세밀하게 조정해서 마치 두 사람이 서로의 화면 안에 존재하면서 서로를 바라보고 있는 것처럼 느껴지도록 만들고 싶었습니다.
INT: 그 마지막 컷 장면 때문에 제 집에서도 큰 논쟁이 있었어요. 절반은 두 사람이 실제로 동시에 같은 공간에 있었다고 생각했고, 나머지 절반은 셰인이 로즈와 친밀한 관계를 가지기 위해 일리야를 상상한 것이라고 보더라고요. 이런 니들 드롭 장면이 정말 중요하잖아요. 음악이 떨어지는 순간에 일리야가 고개를 돌리는 장면까지 완벽하게 맞아떨어지는 걸 처음 봤을 때 기분이 어땠나요?
JP: 세상에서 가장 좋은 기분이에요. 저는 우리가 속도가 느려지는 그 순간에 니들 드롭이 들어갈 거라는 걸 알고 있었어요.
마지막 부분에서 우리는 두 사람 주위를 카메라가 돌면서, 그들이 멈춰 서서 서로를 바라보는 장면을 촬영했는데, 그 장면은 전부 슬로모션으로 촬영했거든요. 그래서 그 순간이 니들 드롭의 비트가 될 거라는 확신은 꽤 있었어요.
하지만 촬영을 하고 나면 결국 잘 맞기를 바랄 수밖에 없죠.
나중에 러프 컷을 처음 봤을 때, 우리가 미리 계획했던 여러 요소들이 정확히 우리가 생각한 방식으로 맞아떨어지는 걸 보게 됐어요.
사실 단순히 예상대로가 아니라, 훨씬 더 좋게 나왔죠.
솔직히 그 순간 뮤직비디오 작업이 그리워질 정도였어요. 음악과 영상이 그렇게 긴밀하게 맞물리는 방식은 서사 중심의 드라마에서는 자주 하는 방식이 아니거든요.
그런데 이렇게 전심으로 음악과 영상을 결합한 장면을 보는 건 정말 즐거웠어요.
대놓고 사용하는 니들 드롭은 정말 재미있거든요.
그래서 오히려 이런 생각까지 들었어요.
“왜 우리는 이런 방식을 더 많이 쓰지 않는 걸까?”
INT: 1화에서 셰인과 일리야가 함께 하는 촬영 장면이나, 셰인이 찍는 여러 광고 촬영 장면을 보면, 촬영 현장의 인위적인 분위기가 잘 느껴지더라고요.
그런데 실제로는 이미 촬영 세트 안에서 촬영을 하고 있는 상황이잖아요.
그런 상황에서 ‘세트의 인공적인 느낌’을 다시 만들어내는, 약간 메타적인 과정을 어떻게 접근하셨나요?
JP: 그 장면들은 저에게 정말 재미있는 작업이었어요. 왜냐하면 저는 TV 시리즈나 서사 작품을 촬영하지 않을 때 광고 촬영을 많이 하는 편이거든요. 그런데 광고라는 게 가끔은 정말 어이없을 정도로 과장되거나 우스운 경우가 있어요.
그래서 그걸 약간 장난스럽게 풍자해 보는 것이 재미있었습니다.
조명도 완전히 다르게 사용했어요. 엄청나게 강한 백라이트 같은 걸 사용했는데, 이런 조명은 보통 서사 드라마에서는 절대 쓰지 않을 정도로 과장된 방식이에요. 일부러 2000년대 초반 스타일의 과장된 광고를 만든다는 느낌으로 완전히 밀어붙였죠.
또 여러 스태프들이 엑스트라로 등장하기도 했어요. 우리 프로듀서와 제이콥도 각각 다른 감독 역할로 등장했는데, 즉흥적으로 대사를 하면서 굉장히 재미있게 연기했죠.
예산 때문에 우리는 시리즈의 몇몇 장면에서 대형 LED 가상 프로덕션 월을 사용했어요.
그래서 광고 촬영 장면들도 그 벽을 배경으로 촬영했는데, 일부러 그게 LED 스크린이라는 게 보일 정도로 넓게 프레임을 잡았습니다.
배경을 고를 때도 기준이 있었어요. 예를 들어 시계 광고 배경 같은 경우 나쁘지 않아 보이지만, 동시에 약간 싸 보이기도 해야 했어요.
너무 고급스럽게 보이면 안 됐거든요. 그래야 드라마의 나머지 장면들과 확실히 구분될 수 있었으니까요.
INT: 그 장면들이 또 코믹한 요소도 더해주는 것 같아요. 특히 일리야가 광고 속 셰인을 보고 있는 장면에서요. 그냥 “…” 이런 표정이 되잖아요.
JP: 제가 정말 좋아하는 샷 중 하나가 있어요. 셰인이 광고 촬영을 하는 장면에서 천천히 줌 인하는 장면이에요.
스태프가 그의 머리에 스프레이를 뿌리고, 그는 캔을 하나 따고, 어머니가 들어와서 한마디 툭 던지고, 그리고 나서 촬영이 시작되죠.
그다음 카메라는 다시 뒤로 빠져나오는데, 그때 셰인은 그저 씩 웃고 있어요.
그 장면은 허드슨의 개인적인 유머 감각이 캐릭터와 정말 잘 맞아떨어진 순간이라고 생각해요. 그 부분을 정말 잘 살려서 연기했죠.
INT: 이 작품에서는 건축과 공간이 굉장히 중요한 요소인 것 같아요. 건물들이 거의 하나의 캐릭터처럼 느껴질 정도니까요.
어떤 공간에 들어갔을 때 카메라가 그 공간을 어떻게 활용할지, 그리고 배우들이 그 공간을 어떻게 사용할지에 대해 얼마나 많은 고민을 하시나요?
JP: 정말 많이 고민합니다! 모든 것은 로케이션에서 시작돼요. 그중 큰 부분이 장소 답사인데, 저는 가능한 한 모든 장소에 직접 가서 어떤 공간인지 확인하려고 합니다. 그래야 조명을 어떻게 써야 할지 이해할 수 있고, 동시에 그 공간 안에서 장면이 어떻게 작동할지도 알 수 있거든요.
중요한 건 항상 이런 질문을 하는 거예요.
“이 공간이 우리가 예상하지 못했던 무엇을 제공해 줄 수 있을까?”
그리고 “그걸 어떻게 우리의 장점으로 활용할 수 있을까?” 하는 거죠.
예를 들어 셰인과 일리야가 서로 다른 층에서 서로를 바라보는 장면이 있어요. 아래쪽에서는 셰인이 어머니, 아버지, 그리고 몬트리올 메트로스 코치와 이야기하고 있고, 위쪽에서는 일리야가 아버지와 보스턴 베어스 코치와 대화하고 있죠.
이 장면은 원래 그렇게 쓰여 있던 게 아니에요. 제이콥과 제가 그 공간에 서 있다가 이런 생각을 했죠.
“이 장면을 완전히 다른 두 시선선, 즉 위와 아래를 바라보는 구도로 연출하면 어떨까?”
그 공간에는 거대한 브루탈리즘 스타일의 콘크리트 기둥과 아치가 있었어요. 그래서 우리는 셰인과 그의 부모를 그 구조물 안쪽 한 구역에 배치해서, 셰인이 작아 보이도록 만들었습니다.
그리고 서로 다른 두 층에서 천천히 줌을 사용해 시선을 맞추는 방식으로 촬영했어요. 그렇게 하면 거리감이 느껴지면서도 동시에 서로 연결되어 있는 느낌을 만들 수 있거든요.
이건 대본에 있던 연출이 아니었습니다. 우리는 그 공간에 들어가서 주어진 공간에 맞게 장면을 다시 구성한 것이죠.
INT: 그 장면은 이미 존재하고 있는 권력의 불균형을 보여주는 정말 훌륭한 방식인 것 같아요.
그런데 온라인을 보면 사람들이 작품의 모든 창의적인 선택을 분석하고 해석하는 영상이 정말 많이 올라와 있더라고요.
이렇게 자신의 작업이 아주 세밀하게 분석되고 이야기되는 것은 어떤 기분인가요?
JP: 정말 신기해요. 사실 촬영이 그렇게까지 주목받는 경우는 흔하지 않거든요. 처음 그런 영상들이 올라오기 시작했을 때 누군가가 저에게 보내줬는데, 저는 “이게 진짜야?”라는 반응이었어요.
사람들이 우리가 한 작업을 좋아해 주고, 그게 그들에게 의미가 있다고 말해주는 것은 정말 놀랍고 감사한 일이죠.
동시에 조금은 벅찬 느낌도 있어요.
촬영할 때는 그냥 낮 동안 현장에서 열심히 작업하고 있을 뿐인데, 그게 나중에 조회수 수십만의 분석 영상이 될 거라고는 전혀 예상하지 못하거든요.
그래도 사람들이 우리 작업을 스스로 분석하고 이야기해 주면서, 원래는 없었을지도 모르는 새로운 목소리를 만들어 준 것이 정말 고맙고 따뜻하게 느껴집니다.
저희 촬영팀과 스태프들은 단체 메신저 방이 있는데, 새로운 분석 영상이 올라오면 서로 공유하고 다 같이 보면서 즐겨요. 정말 재미있습니다.
INT: 어떤 사람이 이 작품 장면들을 ‘Sweet Dreams’에 맞춰 편집한 틱톡 영상 때문에 HBO에 채용됐다는 이야기도 들었어요. 당신의 작업이 사람들에게 리믹스나 재창작의 영감을 주고, 또 어떤 면에서는 오마주가 되면서 동시에 자신의 창작 기술을 발전시키는 계기가 되고 있다는 사실이 어떤 느낌인가요?
JP: 정말 최고죠. 저는 너무 좋아요. 사실 지난 몇 년 동안 촬영하면서 키스 같은 특정 순간들을 찍을 때면, 나중에 그 장면이 캡처돼서 다시 올라오고 밈처럼 퍼질 수도 있겠다는 생각을 하곤 했어요.
그래서 일종의 ‘명대사 순간’ 같은 장면을 찾으려고 노력하게 됩니다. 사람들이 그런 순간에 반응하고, 또 자기 방식으로 다시 만들어내는 걸 보는 건 정말 기쁜 일이에요.
리믹스 문화에 대해서도 저는 정말 좋게 생각해요. 특히 AI 없이 직접 무언가를 만들어내는 사람들을 보는 게 좋습니다.
제발 이 모든 걸 가지고 직접 손으로 편집하고, 이것저것 실험해 보면서 놀아보세요.
이번 작품이 사실 저에게는 ‘인터넷 반응’을 제대로 경험한 첫 작업이기도 해요.
그리고 커뮤니티 안에서 보이는 긍정적인 반응의 양이 정말 압도적입니다.
사람들이 메시지를 보내와서 자신이 영화 전공 학생이라든지, 이 작품을 보고 연출이나 촬영을 하고 싶어졌다고 말해 주기도 해요.
저는 그런 이야기를 들을 때마다 세상에서 가장 좋은 일이라고 느낍니다.
INT: 혹시 많은 사람들이 크게 주목하지는 않았지만, 개인적으로 특히 좋아하는 장면이나 샷이 있나요?
JP: 저에게는 정말 일리야와 그의 형이 레스토랑에서 대화하는 장면이에요. 그 장면은 두 사람 사이에서 우리가 사용한 느린 줌 덕분에 아주 좋은 시너지가 만들어졌습니다. 그 줌이 영화적이면서도 드라마틱한 분위기를 만들어줬죠.
그때는 제가 촬영을 시작한 지 얼마 되지 않았던 시점이라, 아직 이 작품이 어떤 모습이 될지 완전히 감을 잡고 있는 상태는 아니었어요.
제가 머릿속으로 생각한 방식대로 정말 그렇게 보이게 만들 수 있을지 확신이 없었죠.
그래도 그 장면만큼은 제가 원하는 방식 그대로 세팅하고 조명을 설계했습니다.
보통은 방송사에서 원하는 방식으로 조명을 맞춰야 할 때가 많거든요. 저는 사실 너무 어둡다고 사람들이 말하지 않을까 걱정하고 있었어요.
그런데 제이콥은 완벽하다고 했죠.
그 장면 촬영이 끝나고 집으로 운전해 돌아가던 순간이 아직도 기억나요. 화면이 제가 정확히 원하던 모습 그대로 나왔거든요.
그때 저는 “이 작품이 내가 지금까지 해온 것 중 최고의 작업이 될 수도 있겠다”는 생각을 했어요.
개인적으로는 이 두 형제의 이야기를 중심으로 한 장편 영화가 있다면 그 세계 안에서 계속 머물고 싶을 정도예요.
식탁 위의 그 장면, 그리고 두 인물 사이에 만들어진 긴장감—짧은 순간들이지만 그 안에 정말 많은 것이 담겨 있었거든요.
INT: 요즘은 화려한 대형 예산의 TV 시리즈가 계속 쏟아지는 느낌이 들 때도 있습니다. Heated Rivalry가 이런 흐름 속에서 어떤 변화를 가져올 수 있다고 생각하시나요? 더 작은 규모의 제작 환경의 미래에 대해 희망을 주었나요?
JP: 결국 중요한 건 비전을 가진 창작자와 작가들에게 다시 투자하고, 그들이 자기 일을 할 수 있는 플랫폼을 주는 거라고 생각해요.
지금 텔레비전과 방송사 환경을 보면 위험을 감수하려는 분위기가 많이 줄어들었어요.
그러다 보니 이야기뿐만 아니라 시각적인 면에서도 점점 비슷해지고, 획일화되는 경향이 생깁니다.
AI는 이런 파생적이고 비슷비슷한 작업들을 더 빠르게 늘리는 역할까지 하고 있고요.
이런 흐름이 계속된다면 결국 세상이 하나의 차갑고 단일한 덩어리처럼 변해버릴지도 모르겠어요.
지금 서구 창작 문화 전반에서 그런 분위기가 느껴지는데, 솔직히 지켜보기가 좀 고통스럽습니다.
Heated Rivalry는 사실 예전에 우리가 작업하던 방식과 크게 다르지 않아요. 예술가에게 시간과 공간을 주고—이번 경우에는 예산도 많지 않았지만—창작적 통제권과 신뢰를 주는 거죠. 그리고 그들이 자신이 하고 싶은 작업을 할 수 있게 두는 겁니다.
만약 대형 방송사의 강한 간섭이 있었다면 이런 작품은 아마 나오지 못했을 거예요. 예를 들어 모든 성적인 장면이 잘려 나갔을 가능성도 크죠.
보수적인 사람들이 개입했다면 어떤 일이 벌어졌을지 상상해 볼 수 있을 거예요.
앞으로도 제이콥 같은 사람들에게 기회가 더 많이 주어졌으면 좋겠습니다. 물론 모든 작품이 성공할 수는 없고 실패작도 나오겠죠.
그래도 사람들이 좀 더 과감하게 위험을 감수하고 새로운 시도를 받아들이는 분위기가 만들어지길 바랍니다.
출처 : https://www.itsnicethat.com/features/heated-rivalry-jackson-parrell-cinematography-film-spotlight-050326
